Discos que vale la pena destacar durante el 2006

Por Antonella Estevez

NANO STERN: Nano Stern
Independiente

El disco debut de Nano Stern ha sido de las sorpresas más gratas de este 2006. Con sólo 22 años este talentoso músico chileno entrega una hermosa colección de canciones honestas, delicadas y de una gran profundidad.

Antes de cumplir los 20 años Fernando Stern ya habia colaborado con dos de las más interesantes agrupaciones de Folck Rock chileno: Matorral y Mecánica Popular. El 2004 decide lanzarse a la vida y partir a Alemania sin más respaldo que sus ganas. Allá canta en las calles y se contacta con varios músicos chilenos que trabajan en el viejo continente, entre ellos Tato Gomez. Nano Stern trabaja un tiempo como asistente en el estudio de grabación de Gomez, y a poco andar este le insta a desarrollar y grabar sus propias canciones. Asi nace este disco homónimo, un disco que desde la distancia se encuentra con lo mejor de la canción de autor chilena, desarrollando una notable mirada contemporánea de ciertos colores del folcklore chileno.
En este trabajo incluye sólo composiciones originales y Nano Stern interpreta todos los instrumentos, con la excepción de las congas. Este hecho le otorga al disco un sentido de continuidad e intimidad realmente excepcional. Amables y significativas letras son presentadas en canciones bien realizadas que se sostienen mayormente en el trabajo de cuerdas y en una bien lograda propuesta vocal. Nada que agregar, sólo agradecer que este cantautor haya pasado por Chile para dejarnos su disco (accesible solo en http://www.armonica.cl/) que honestamente nos regala gratas melodías para disfrutar.

- - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - -

EL CRUCE: A mi país
Independiente

Los ocho años de trayectoria y las cientos de tocatas en el cuerpo se notan en este tercer disco de “El Cruce”. Con el disco “A mi país” – co producido por la banda y el gran bajista nacional Christian Gálvez- este sexteto da cuenta de un sonido propio, pero que no reniega de sus influencias -el blues clásico, el rock setentero y ciertos sonidos de la música latinoamericana- sino que las abraza y las fusiona para crear un blues propiamente chileno.

Esta es una colección de canciones muy variadas que pasan desde el blues más puro –“El blues del Yoni”, “Mi moto y yo”- a juguetonas melodías folk como “La chinita y yo” y “A mi país”, se atreve con una incursión casi épica con “Blues al desaparecido” e incluso presenta un seudo bolero, “Sentir”, bastante bien armado. Las letras también merecen ser positivamente consideradas, especialmente la de la canción que da título al disco, que expresa con humor ciertas verdades y frustraciones de los músicos chilenos, aquí también se notan los años de carrete de “El Cruce”.
Inicialmente el nombre de esta banda hacia referencia al mítico episodio en que Robert Jonson –uno de los padres del blues- se encontró con el mismísimo Satán en un cruce de caminos para venderle su alma a cambio de ser el mejor guitarrista del mundo. Hoy “El Cruce” hace mucho más que remitir al pasado, da testimonio de una interesante mezcla – un cruce- entre sonidos afro del norte y del sur de América.
Siendo un sexteto poderoso de buenos instrumentistas y contando con una voz líder realmente notable, en este disco “El Cruce” quizo incluir además buenos arreglos de cuerdas y aportes corales. El resultado es meritorio. Bien por “El Cruce”. Larga vida al blues criollo.

- - - - - - - - - - - - - - - - - - - - -

LESBOS IN LOVE: The gost of her
Crisis records

Luego de trabajar en varios proyectos musicales Tonko Yutronic y Jazmín Avendaño se juntaron en el año 2000 bajo el nombre de Lesbos in Love. Desarrollando un proyecto que mezcla correctamente las bases electrónicas y una susurrante voz femenina. El resultado es un sonido oscuro y electrónico. Muy cercano a los primeros discos de Cocteau Twings o a algunas cosas de Human League, con una vuela de tuerca hacia cierta sensibilidad gótica. Por eso, no es de extrañar que en el 2002 fueran seleccionados para formar parte de la banda sonora de la cinta de vampiros “Sangre Eterna”, de Jorge Olguín. Lesbos in Love, posee las características de lo que uno imaginaría que sonaría en una fiesta de vampiros en la Blondie.
Con letras en ingles y portugués este trabajo fue grabado en su totalidad – incluida la masterización- en el home estudio de Tonko Yutronic. Luego fue lanzado y distribuido bajo el alero del sello electrónico e independiente Crisis Records (http://www.crisisrecords.cl/). Quienes gustan de la electrónica dark con fuertes reminiscencias ochenteras debieran disfrutar de este disco que posee melodías bien armadas y accesibles, y en donde la voz de Yazmin se luce sin estruendos, pero de manera grata y eficiente. Esto queda en evidencia en temas como “The end” y “Explicity”, mientras que se arriesgan en busca de atmósferas fantasmagóricas en la canción “Leonore”.
Si uno quisiera encontrarle una debilidad a “The Ghost of her” sería que éste podría haber sido realizado en cualquier lugar del mundo, no hay en él huellas de Latinoamérica, ni menos de Chile. Pero quizá también sea esto una de sus fortalezas. Uno podría pensar que “Lesbos in Love” no portan pasaporte, sino que se mueven dentro de gustos estéticos de un grupo que no tienen fronteras. En ese sentido son tremendamente eficientes.

- - - - - - - - - - - - - - - - - - - -

FRANCESCA ANCAROLA: Lonquén. Tributo a Victor Jara
Independiente / Fondart

En un año en que la figura de Victor Jara ha estado notablemente presente –en el advenimiento de una nueva generación de cantautores que lo reconocen como máxima influencia y en el concierto sinfónico preparado por la Universidad de Concepción, por ejemplo- este disco se sitúa en perfecto contexto y en definida individualidad.

Con cinco discos bajo el brazo y con un repertorio que incluye la música latinoamericana, el bolero y el jazz, Francesca Ancarola ha logrado situarse como una de las voces más reconocibles y una de las artistas nacionales más personales y respetadas. El disco “Lonquén” da buena cuenta del camino recorrido por Ancarola, es por eso que a estas alturas de su carrera un disco tributo puede ser una apuesta a ganar. Para no caer en los lugares comunes en que se sitúa la obra de Victor Jara era necesario que quien desarrollase este trabajo tuviera la suficiente seguridad en su propio talento e identidad como artista para no perderse en la magnifica figura de Jara. Ancarola lo logra plenamente.
Pasando por un abanico de estilos y emociones “Lonquén” deja registro de la trascendencia y vitalidad de la obra de Victor Jara, al tiempo que permite refrescarla con una mirada contemporánea y arriesgada. Secundada principalmente por el trío de excelentes músicos: Federico Dannemann en guitarra, Daniel Rodríguez en batería y Rodrigo Galarce en contrabajo, la voz de Francesca Ancarola se mueve desde momentos de amabilidad folk como “El amor es un Camino”o “El cigarrito”, a espacios de gran inquietud y desnudez como “Lonquén” y “El lazo”, y sorprende con una actitud desenfadada y llena de riesgos en los rockeros arreglos para temas como “Que saco rogar al cielo” y “Angelita Huenumán”.
Sea por reencontrarse con la obra de Victor Jara o por sorprenderse con la madurez de Francesca Ancarola, “Lonquén” es un trabajo que merece atención y aplausos.

- - - - - - - - - - - - - - - - - - - -

CAMION: “Subsuelo”
Algo Records

Parece curioso que con el tremendo éxito que tuvo y aún tiene el sonido grunge en nuestro país –prueba de ellos los dos repletos conciertos de Pearl Jam en el San Carlos de Apoquindo- las bandas de rock chilenas, en general, no han seguido el estilo impuesto en Seattle. Excepto algunas notables excepciones, entre ellas Camión.

En el 2004 y bajo el alero independiente de Algo Records, Camión lanza su primer disco homónimo. Un disco que –como su nombre presagiaba- llego como un sonido arrasador, que lamentablemente no ganó tantos adeptos como se merecía. A finales de este 2006 Camión se lanza a la carretera otra vez, fiel a un sonido poderoso, sucio y melódico, pero con una producción bastante más cuidada que hace dos años.

Con una atmósfera sónica que recuerda al disco “Badmotorfinger” de los desaparecidos “Soundgarden”, este trabajo posee potencia de guitarras –a cargo de los hermanos Rodrigo y Andrés Astaburuaga-, buena base rítmica –con Andrés Geyger en las baquetas y Pablo Rogers al bajo- y la notable voz líder de Nicolas Rubío. Son once temas de buen rock. Bien armado e interpretado. Mención aparte requiere el tema “Nuestro”. Una canción acústica, bella y amable, que recuerda a “Blind Melon” y a algunos temas desenchufados de “Alice in Chains”.

- - - - - - - - - - - - - - - - -

MAGNOLIA: “Cien años después”
Independiente

Con un concierto en Sala Master, en el contexto del programa “Chile Música en Vivo”, el trío Magnolia lanzo su segundo disco: “Cien años después”. Son ocho las canciones que componen esta edición limitada, canciones que tiene como base el sonido del blues, a veces más cercano al rock, y otras al soul.

Con Claudio Araya en la batería, Freddy Muñoz en bajo y Cochiblues en voz y guitarras, Magnolia es una maquina bien ajustada. Las canciones de este trabajo –co producido por Magnolia y Ernesto Kong de Raiza- suenan correctas, accesibles y gratas. No hay problemas en la interpretación y se agradecen los cuidados arreglos, especialmente los corales, pero quizá al disco le falta la intensidad que en vivo Magnolia derrocha.
Otro tema son las letras, quizá la mayor debilidad de este trío. Un inocentón y repetitivo tema como “Somoamigo”, es una rareza entre canciones que hablan más bien de relaciones romanticas, tratando de jugar al erotismo hay momentos en que Magnolia parece caer peligrosamente en el sexismo. Un buen aporte es el homenaje a Victor Jara “Como enredadera al sol”, un canción que los obliga a meterse en otras temáticas, lo que alcanzan con bastante dignidad.

Por Felipe Gajardo

BELLYCO

“Toma el control”

Formados en agosto del 2000 sin tener ninguna experiencia musical anterior, la banda formada por Felipe Vargas (Voz, Guitarras), Keno Vargas (Bajo), Juan Pablo Manríquez (Teclados), Jonathan Vargas (Guitarras) y Oliver Quintanilla (Batería), desde un comienzo demostró que tenía toda la química, potencia y talento para lograr ubicarse como protagonistas del rock chileno.
De hecho, Bellyco fue la banda ganadora de la última versión del concurso Bandasdechile.cl, y fue elegida por la prensa especializada como una de las mejores bandas de rock chileno del último tiempo.
Para Bellyco este año 2006 estuvo marcado por un largo trabajo de remezcla, posteriormente la banda decidió sacar su debut de manera independiente después de un paso frustrado por el Sello Escarabajo. Con 10 temas en total, “Toma el Control” es un combo lleno de guitarras afiladas y bases psicodélicas que quedan claramente demostradas en sus potentes presentaciones en vivo.
La agrupación ocupa como armas secretas los sonidos que destacan bases con influencias psicodélicas, guitarras fuertes basadas en el clásico rock de fines de los 60 y 90 y teclados que armonizan y le dan un sonido propio y único a esta banda.
“Toma el Control” fue lanzado el 5 de diciembre en el Cine Arte Alameda después de casi un año de ser grabado.

- - - - - - - - - - - - - - - -

Casanova

“El amor es una trampa mortal”

La banda liderada por Julian Peña se traslado en mayo de este año a Mendoza para trabajar en esta segunda producción discográfica, junto al destacado productor trasandino Natalio Faingold. “El Amor es una Trampa Mortal” contiene 13 nuevos temas originales de la banda.
Es un disco que no se casa con un solo estilo, sino prefiere abrirse caminos por donde la inspiración lleve. El trabajo de este año es de alta factura, y logra capturar fielmente los matices de la inconfundible voz de Julián Peña, así como el abanico sonoro de las guitarras de Rodrigo Otero. De esta forma se puede oír a un Casanova puro y sincero, sin trucos que después deban omitirse en las presentaciones en vivo.
La mixtura de estilos da a luz a un disco perfecto para compartir con los pies en la arena de alguna playa. Desde la primera a la última pista, este cuarteto completado por Felipe Quiroz (batería) y José Luis Saavedra (bajo), no decepciona y logra a través de las trece pistas del disco continuar con el trabajo de matizadas melodías en la guitarra y voz que apelan al corazón y no a la racionalidad fría de la indiferencia y el olvido.

- - - - - - - - - - - - - - - -

Javiera Mena

“Esquemas Juveniles”

En agosto de este año apareció en Chile y Argentina “Esquemas juveniles”, el esperado álbum debut de Javiera Mena. Autora y compositora de 23 años, que ha empezado a perfilar un estilo único por su talento natural para escribir canciones. Su disco debut, sitúa a esta artista entre las grandes figuras de la nueva música chilena.
Empezó a tocar en 2001 como parte del circuito de grupos de rock independientes de Santiago y corresponde a la nueva escena musical de los últimos cinco años. Pero varias son las características que la diferencian del resto: es una solista, una cantante y compositora de música pop, guitarrista, tecladista, autora y productora musical. Todo esto en su conjunto hacen que Javiera Mena se distinga entre la masa.
En este su primer disco producido por Cristian Heyne, hay pop acústico, tecnopop e intuición folclórica. Por esta razón “Esquemas Juveniles” logró llamar la atención del músico bonaerense Sebastián Carreras, creador e integrante de grupo Entre Ríos, y fue el primer disco extranjero publicado por el sello “Índice Virgen”. Esto podría ser considerado como una primera gran muestra de lo que esta chica podría llegar a trascender.
El pop melancólico de Javiera Mena invita a través de sus frases simples a recordar tiempos pretéritos cuando todo era más simple, cuando nos conformábamos sólo con pasar tiempo en la plaza. Javiera Mena se encarga de recordarnos que todo tiempo pasado fue mejor. Algunas muestras patentes de esta melancolía juvenil la notamos en títulos como "Sol de invierno", "Esquemas juveniles" o "Cámara lenta".
En 2005 sus canciones fueron antologadas en la compilación Panorama neutral, del sello Quemasucabeza, y en la banda sonora Departamentos vacíos, de la película de Alberto Fuguet “Se arrienda”.

- - - - - - - - - - - - - - - - -

Los Mismos

“Caspana”

Este es el regreso del trío nacional Los Mismos, hablamos de “Caspana”, lo nuevo de Vigliensoni, Paredes y Aste. Este material que funde la electrónica con la estructura de canción, reconfirma que con la llegada del nuevo siglo el proyecto musical ha ampliado su rango hacia una suerte de banda electroacústica que, sin dejar de lado los beats y los ambientes generados por teclados y samplers.
El nuevo material del trío es más ajustado y acotado, lo que le hace tener como resultado canciones mucho más poperas y controladas, partiendo por "Nica". De ahí en adelante se avanza por el disco a un mismo pulso firme, que logra ser disfrazado por la habilidad de los músicos para vestir la rigidez con texturas más o menos delicadas, que casi siempre, en su mayoría, resultan ser cálidas.
Con este disco se confirma que el trío no sólo tiene en mente la pista de baile. “Caspana” debería ser una producción más masiva, ya que como ellos mismos aseguraron, nos encontramos frente a una producción de "pop electro-orgánico", que obliga a escucharlo con viveza porque de otra forma te perderás entre texturas difíciles de seguir.
Ante de terminar sólo un detalle. Javiera Mena participó creativamente en la letra y melodía vocal del tema “Pepper”.

- - - - - - - - - - - - - - - - - - -

Lucybell

“Comiendo Fuego”

Se escucha el single “Fe” en la radio e inmediatamente se puede percibe el cambio de Lucybell. Una banda mucho más roquera en este disco, con introducciones más cortas y una batería mucho más protagonista. Sin embargo, el primer single de “Comiendo Fuego es sólo el comienzo de un larga y novedosa faceta de la agrupación liderada por Claudio Valenzuela.
Este viaje más roquero continúa con “Eternidad”, “A perderse”, y “Por qué no estás de pie”, esto sin mencionar la gran carga emotiva de “Ráptame del fin”, “El dragón y el gallo” o “Cada paso”. Los buenos cambios se celebran y es por esta razón entonces, que el trío en una semana vendió cinco mil copias.
Lo mejor del sexto disco de la banda es que es un refresco en todo sentido, pero sin perder la esencia del grupo, o sea, la característica voz de su vocalista. “Comiendo Fuego” tiene los mejores ingredientes a los que el grupo apeló en toda su discografía. Y algo totalmente loable es que dejaron a un lado la factura de himnos radiales y se enfocaron en los instrumentos y los sonidos.
La última producción de la banda es una nueva prueba de que para Lucybell, el cambio y la mutación son una necesidad. En este disco, la banda reformuló su sonido y dirección musical, hacia una apuesta más frontal y directa. Claudio Valenzuela (voz y guitarra), Eduardo Caces (bajo) y Cote Foncea (batería) se mantienen inamovibles en sus posiciones durante todo el disco, tratando de instrumentar las canciones lo más parecido a cómo sonarían en un ensayo o en vivo.
Un buen disco de una banda que tuvo que desestancarse y empezar de nuevo. “Comiendo Fuego” es un gran producto de una banda casi reinventada que no pierde su sello característico.

Por Daniela Valdés

LEO QUINTEROS
"Ahora!"

Un muy buen punto de partida tuvo Leo Quinteros este año. Y si su debut en “1A” sorprendió a muchos con sus originales melodías, este disco superó al anterior en cuanto al contenido de sus letras y arreglos musicales.
Con una banda en vivo a cargo de Leo Quinteros en (voz, guitarra, piano y armónica), Gonzalo Planet (bajo y coros) y Álvaro Gómez (batería), “Ahora!” rescata más ironía en cuanto a temáticas relacionadas con la pareja, el mercado, la rutina y hasta un barniz del sub mundo de don Mario que nos lleva a la mismísima perdición ; “soñé que don francisco me llevaba al infierno / yo no había sido malo / pero tampoco bueno” , en Andes Empire.
Su trabajo nos situa en Santiago y en los vínculos afectivos y personales, ya que el disco pasa por estados que reflejan la aceleración y luego caen como plumas, para cerrar con buenos broches de oro y lindas guitarras y pianos.
Leo Quinteros, músico que se vio envuelto en una máquina de hacer canciones y con el talento de hacer profundas y buenas canciones, orejas - en algunos casos- y en otros melodías planas, acompañadas sólo de guitarra, pero que no aburren ni caen en el hastío.
Buenas composiciones hechas todas por él, donde su música es una mezcla de rock pausado con varios matices Lennon, quedando un bello material, indispensable para la discoteca chilena.

- - - - - - - - - - - - - - - - - - - - -

FAMILEA MIRANDA
"Ensayo # Error"


Sin lugar a dudas encabeza la lista de los mejores discos nacionales de este año.
Sus 15 temas reflejan la prolijidad y dedicación que Katafú (voz y guitarra), Gomberof (bajo y coros) y Laiseca (batería) le pusieron al sonido y los instrumentos. Y es que Familia decidió arriesgarse por un sonido que rompía con la línea del post rock y la densidad de los temas anteriores, mediante más letras, voces y coros, dejando una grata sorpresa ya sea para los seguidores o para los oídos nuevos a esta banda.
Colaboraciones de músicos y voces externas al grupo como el “Macha” de La Floripondio, Alejandra Elgueta de Las Jonathan, Julio Cortés de Fracaso, o Luis Felipe Saavedra, son sólo algunos aportes que le dan a Ensayo y Error más frescura, solidez y riesgo en las composiciones debido a los instrumentos anexos como el piano, el cello o el saxo. Canciones como; “The legañón”, el cover de Missión of Burma, “Canción de pelea de la academia”, “Peter Sellers” o “Timorato” donde colabora Daniel Linker integrante de la Media Banda en el piano, y Francisca Morales con el cello, dejan de manifiesto los distintos estados y estilos por los que pasa Ensayo y Error.
Un disco que pese a lo bueno que resultó, no tuvo mayor difusión en la escena local, debido al viaje que realizó la banda a Europa el primer semestre y su actual disolución, que los tiene alejado de las pistas como equipo de trabajo.
Solo hay que revisarlo y pasar el dato, bailarlo en fiestas y recordarlo como un material que no pasará inadvertido por la crítica y por la historia de una legendaria agrupación que marcó tendencias, estilos y unificó a muchos grupos chilenos.

- - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - -

Tsunamis.
“Corre el río”

Un disco muy relajado y con una propuesta fresca es lo que destacamos al cerrar el 2006.
Con un buen sonido de estudio Goli (voz), Alejandro Gatta (batería), Francisco Fernández (guitarra) y José Domínguez (bajo), lograron distinguirse con respecto a sus dos últimos discos; Tsunamis (2004) y Espìritu (2005), ya que Corre el río reúne la intensidad de los trabajos anteriores, pero con un rock más oreja y cercano a los oídos del público.
Musicalmente han sabido aprovechar y mezclar distintos estilos, que pasan desde el rock hasta sonidos bien sicodélicos y pegados que relucen mucho con las guitarras y las percusiones pausadas. Y en cuanto a las voces, el disco trae las colaboraciones de Anita Tijoux en “Amanecer y Perrosky (Alejandro Gómez) en Gracias Amigo!, haciendo de este disco un registro entretenido y variado en cuanto a coros y cambios de tonos representados por Goli.
Si bien esta producción estaba lista hace tiempo, es también el ejemplo de aquellos discos que nunca se terminan por completo hasta una semana antes del plazo final.
El resultado es un bonito trabajo, y Tsunamis como equipo además estar integrado por talentosos músicos, han logrado un compromiso con sus propios gustos y más aún, con el circuito de bandas que mejoran nuestra parrilla de presentaciones en vivo, y le dan más seriedad a la música en cuanto a la calidad de los discos que salen cada año.

- - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - -

TÍO LUCHO
"Cabrón de Jungla"

Una entretenida apuesta es lo que trajo Tío Lucho en esta temporada 2006.
Y es que esta agrupación no es como cualquiera no no no... Aquí el bajo fue drásticamente reemplazado por un teclado y la incorporación del saxo rompe con la monotonía de las tradicionales bandas punk-rock, haciendo de las suyas al crear temas bailables y pegajosos con una guitarra bastante rockera y una rápida y dura batería.
El resultado de “Cabrón de Jungla” es muy limpio, pero un tanto plano. Sin lugar a dudas, las presentaciones en vivo superan la actitud y la noción de baile que estos 12 temas poseen, mostrando la calidez de sus canciones y el desplante de Fernando (voz), Poño (guitarra), Álvaro (saxo), Cristóbal (teclados) y Francisco (batería). Acompañados por supuesto, de sus uniformes atuendos, luces pegadas en la ropa, bailes sin polera y el fantástico teclado blanco de Rawlins, que han hecho sus fiestas más entretenidas, logrando un buen arrastre y recepción en el público.
Canciones como Y voy, que nos recuerda al calor de una pistola de Pánico, No te conviene, Mira alarmada, cantada por el baterista, La ola y Fuiste, dejan en claro que, pese a ser bien movedizos, la cuna de estos muchachos está en el punk-rock, de letras callejeras y frentistas.
Dos Ep´s a su haber; No me sigas (2004) y Son tus armas (2005), sacados de manera independiente, son el currículum de Tío Lucho, que ahora con “Cabrón de jungla” y bajo el sello Algo Records, están dispuestos a difundir y seguir la fiesta!
Por último, no se puede dejar de mencionar que los colores de esta carátula – actualmente los colores de su página- nos recuerdan mucho al disco “Give´em enough rope”, de los Clash. Un buen homenaje a una banda de cabecera de los muchachos.

- - - - - - - - - - - - - - - - - - - -

Jiminelson
“Yo Jiminelson”

Su nombre no deja indiferente y es que es una mezcla de un nombre gringo con uno más popular que cae de cajón para atrapar a todos aquellos que aún están expectantes ante este trío. Tienen un logo de un ave que los identifica, y para las fiestas donde tocan es posible ver a seguidores que corean sus letras mientras mueven la cabeza.
En el escenario y con una actitud engreída y bien seria, Gustavo (voz), Chino (batería) y Cowboy (pandero y armónica) le cantan y tocan al rock`n roll, al amor y sus derivados; le cantan a los malos entendidos y a las cosas que molestan. Y pese a unir sonidos tan repetidos como el blues o el rock, llegan a distinguirse como banda gracias a incorporar una voz potente con buenos gritos y en un español para nada de pretencioso.
Los temas 17 que se presentan en el disco vienen dando vueltas en presentaciones en vivo desde el 2004 y “Yo Jiminelson” representa la prolongación de las primeras 400 copias extintas el 2005, y que actualmente se reeditaron el primer semestre bajo el sello CFA, con un notable arte en su carátula y logrando una mayor tiraje y difusión.
Destacada está esta producción que logra una línea musical que los identifica, pero que no caen en la similitud, gracias a las guitarras que cambian de intensidad en un mismo tema provocando altos y bajos junto a la armónica que da más suavidad. Y si bien la falta del bajo se siente en la dureza de las canciones, Jiminelson es una propuesta bastante acertada que ya se asimiló muy bien en los lanzamientos de este año 2006.

------------------------------

MOSTRO
“Consumido por pájaros”

A ratos nos podría situar en un bar bien “alternativo”, con gente tomando ricos cócteles y paseándose con estilosas tenidas. Pero de pronto y en un arrebato musical, todo lo que decora y ambienta el lugar se vuelve un tanto incomprensible y desesperante.
Un disco de 10 temas que podría pasar fácilmente como un solo y hasta serviría como banda sonora para un cortometraje, sin diálogos y sin cortes de intermedio.
Sus sonidos son familiares; bases de teclados, aires a post rock, guitarras de Tortoise y hasta los ritmos más poperos que invadieron los ochenta se pueden oír desde el comienzo.
En “Consumido por pájaros”, hay muchos cambios de ambiente y rupturas melódicas que si bien descolocan, no deja de caracterizarse como “novedad” por difundir un estilo poco escuchado en radios y recitales.
Con resultados excelentes a nivel de crítica y aceptación del público Carlos (teclado y guitarra) y Jaime Reinoso (batería), en vivo son unos verdaderos peluches asesinos que devoran teclas y sudan hiperkinesia.
Una provocación que ha causado furor en las presentaciones donde son considerados como unos de los platos fuertes, junto con J.Mena y Gepe, quienes son los que encabezan el raiting de Quemasucabeza.
Siendo ellos mismos, Mostro, supo aprovechar el hermetismo que en algunas ocasiones provoca su música, abriéndose paso y destacando en las programaciones de cartelas y giras, dejando en claro en sus sonidos gustan y mucho.